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Sobre música alternativa

¿Cuáles son los límites que dividen la música alternativa de la comercial?, ¿cuál es, o cómo se compone la esencia de la música que resulta distinta a la del mercado? Las modas sonoras son de fácil detección, ya que generalmente merecen los honores de los medios masivos de comunicación, pero la llamada música alternativa logra, con base en la creatividad, una amplia gama de manifestaciones.

 

Independientemente del género con el que se le quiera tildar o reconocer, la música alternativa logra su carácter divergente por la forma en la que llega al público, o bien por su esencia técnica o de composición. Ahora, ¿son únicamente estas cuestiones las que definen el trazo distintivo de su esencia? Valdría la pena considerar al tiempo como un factor determinante en la fórmula que compone.

 

¿Cómo nace esta variante musical? Probablemente sea anterior a la década de los noventa, tiempo en que se expandió en la juventud este término abanderado por el grunge y otros subgéneros que hacían gala de la creatividad y rebeldía instrumentística. Si nos inclináramos por el camino que sugiere alguna vertiente filosófica que sugiriera al concepto de otredad como pilar fundamental del inicio de la música alternativa, llegaríamos a debates de gran complejidad. Como concepto, probablemente, ha sido el de principios de los noventa el que más impulso y aceptación ha tenido, aunque desde un punto de vista más práctico o diferente del que los medios de comunicación masiva y las modas imponen, podemos suponer que tanto el jazz o la world music (o música étnica) también han sido alternativas a las escenas musicales más populares de su contexto.

 

¿Qué respondería un guitarrista de flamenco, un mariachi, un tanguero, sonero, o un gitano si se le dice que la música que hace es alternativa? Muchas respuestas emanarían después de una aseveración como esa, pero definitivamente ellas coincidirían en que no son música alternativa, por el contrario, es absolutamente tradicional. Lo alternativo sería para los oídos comerciales y la música popular, ahí que cabría como opción distinta a lo común. Ahora, desde el punto de vista del artista definitivamente resulta tradicional, ya que es la fiel herencia musical de su pueblo.

 

En fin, echemos un vistazo a algunos casos en donde se pone en entredicho tanto la esencia y el concepto de lo alternativo en cuestiones sonoras, como sus medios de difusión.

 

EL GRUNGE. UN LADO SENSIBLEMENTE CRUDO EN PIEL DE JUVENTUD

 

Termina la década de los ochenta y comienza la decadencia del glamour estrafalario en las manifestaciones artísticas populares. El muro de Berlín cae y el mundo se recompone con sociedades de reciente creación que buscan ávidamente una nueva forma de interacción entre ellas. La angustia identitaria, propia del posmodernismo, se torna palpable en las distintas formas de exposición artística de aquella nueva juventud. ¿La respuesta por parte de la opinión más aferrada a la esperanza globalizada? Indiferencia y rechazo, pero ahora sin violencia física, sólo el frío de la espalda de un mundo cobijado en delirios de libertad, liberalismo, libertinaje e irónicos egocentrismos colectivos.

 

Por una parte la juventud norteamericana, icono del triunfo individualista, mostraba una cara airosa encarnada visualmente en los jóvenes de la serie televisiva Beverly Hills 90210, pero la moneda siempre guarda una sorpresa en la contraparte. El otro lado, en lugar de presumir ostento, belleza estética y esperanza; sugería suciedad, decadencia y crudeza.

 

Así es, si bien la primera cara de la juventud estadounidense era el resultado generacional de la sociedad de la postguerra, la segunda era una novedad por haber alzado la voz al mundo diciendo que en su país y en su cultura no todo era como en las series y películas de ficción.

 

Los centros urbanos de desarrollo artístico cambiaron en cuanto a su protagonismo. Seattle se convierte en la cuna y meca de la música joven de su generación. Ni Los Ángeles ni Nueva York (famosas por la escena musical ahí gestada y producida durante la década anterior) pudieron acaparar los ojos del mundo con la misma fuerza. Cameron Crowe, director del documental Twenty (sobre Pearl Jam), describe a La Ciudad Esmeralda, o también conocida como El Portal del Pacífico, como una ciudad fría en donde los jóvenes tienen mucho tiempo para estar guardados en casa escuchando gran diversidad de bandas y géneros musicales. De esta manera logra compararla con Londres, y es por eso que no le sorprende que la escena alternativa rockera de aquella generación naciera ahí.

 

 

Pearl Jam, Sonic Youth, Nirvana, Soundgarden, Stone Temple Pilots, Alice In Chains, Blind Melon y Smashing Pumpkins fueron los representantes musicales de la llamada Generación X. Letras de jóvenes inconformes, deprimidos, con problemas de adicciones y rebeldía fueron combinadas con un cambio sustancial en la música hasta entonces realizada. Si bien el sonido predominante en la música de los ochentas era lo digital, el exceso de producción y la pulcritud estética, el grunge evidenciaba en su esencia lo sucio, lo crudo, lo improvisado y lo agresivo.

 

De lo digital al bulbo. Los amplificadores más cotizados por esta generación musical resultaron ser aquellas reliquias de los años sesenta y setenta, en donde el bulbo brinda una distorsión natural y rompe la pulcritud. Los solos virtuosos de guitarra habían quedado prácticamente acotados para el uso exclusivo de quienes se declararan estudiosos formales de la música, ya que las guitarras buscaban más un sonido agresivo y sucio, que emulara lamentos, berridos y quejidos, en donde la actitud de rebeldía fuera supuesta en cualquier compás.

 

Aquellos jóvenes melenudos evocaron en sus manifestaciones artísticas la crítica hacia un sistema socio-económico que no ofrecía mayor beneficio que el de ser uno más en un mundo prefabricado, donde toda individualidad quedara sepultada por el consumismo exacerbado, así como por los moldes y estereotipos del norteamericano promedio.

 

Albumes como Bleach, Nevermind e In Utero (Nirvana); Ten, Versus, y Vitalogy (Pearl Jam); Blind Melon (Blind Melon); Ultra Mega Ok, BadMotorFinger y Superunknown (Soundgarden); Dirt, Jar of Flies y Facelift (Alice in Chains); Core, Purple, Tiny Music... and Songs from the Vatican Giftshop (Stone Temple Pilots), así como Siamese Dream y Mellon Collie and the Infinite Sadness (Smashing Pumpkins), entre muchos otros, dieron la vuelta al mundo convirtiéndose en los nuevos clásicos de una generación con el sello cultural de Seattle.

 

1994 y se desvanece el sueño de rebeldía. Dos sucesos sentenciaron a este movimiento cultural a su fin después de una letárgica decadencia: la fama y la muerte de sus precursores. Irónicamente, fue el carácter contracultural y underground del grunge lo que lo colocó como punta de lanza de la creatividad musical en los años noventa, liderando así los charts más importantes, pero al estar en el ojo del huracán, al ser el protagonista de lo que criticó, ¿qué sentido de alternativo tendría entonces? Nada, de lo oscuro pasó a lo despampanante. Tanto su sonido como sus músicos se pulieron, y pasaron de los bares y pubs locales en Seattle, a llenar estadios y foros multitudinarios alrededor del mundo. Superunknown de Soundgarden vendió millones de discos dentro y fuera de Estados Unidos, ganando así dos premios Grammy, uno de la cadena televisiva MTV y otro por la revista Rolling Stone. Siguiendo la misma línea, Pearl Jam y Nirvana lograron ventas millonarias y acapararon las portadas de influyentes publicaciones a nivel internacional. ¿La consecuencia? De lo alternativo pasaron a lo popular.

 

En un fragmento de Twenty, Kurt Cobain critica a Eddie Vedder diciendo que él y su banda (Pearl Jam) eran demasiado populares para ser alternativos. Al poco tiempo de arreglar esas diferencias, en abril el líder de Nirvana aparece muerto en su casa, presuntamente víctima del suicidio, pero bajo condiciones cuestionables. Meses más tarde Pearl Jam comenzó una campaña de desprestigio contra la empresa Ticketmaster, la cual duró cerca de tres años, cancelando así una gran cantidad de presentaciones en directo. Por otra parte, Alice in Chains cancelaba la gira promocional de su disco Jar of Flies, debido al proceso de rehabilitación de adicciones al que se sometía Layne Staley, su vocalista. Respecto a Soundgarden, las tensiones entre el vocalista, Chris Cornell, y el guitarrista, Kim Thayil, crecieron hasta la separación de la banda en 1997. Por si fuera poco, Blind Melon, una banda que hacía gala de la creatividad e innovación musical al fusionar funk, blues, folk y rock, también perdió a su vocalista, Shannon Hoon, víctima de una sobredosis de cocaína un año más tarde.

 

 

A la par de este panorama poco esperanzador para el movimiento, otros artistas intentaban imitar o lograr alejadas reproducciones del grunge. Post-grunge el resultado. Considerado por algunos como desastroso, absolutamente comercial, diluido y ridículamente alejado de la esencia decadente y rebelde de lo original. Otros no tan apegados gozaron de los éxitos de sus exponentes como Bush, Silverchair, Staind, Nickelback y Creed. Independientemente de la opinión respecto al gusto, lo cierto es que el grunge y la versión post no tenían relación alguna, ni en términos de comercialización, ni de esencia musical en la composición y mucho menos en la alternativa de movimiento social juvenil que proponían.

 

Finalmente, en abril de 2002, Layne Staley es encontrado muerto en su apartamento víctima de una supuesta sobredosis de estupefacientes. El parte médico dijo que llevaba ya varios días de haber perdido la vida. La larga lucha contra la adicción a las drogas que sostuvo Staley durante años lo llevó a un devastador deterioro físico y moral, al punto que en una entrevista pocos meses antes de su muerte dijo: “Sé que estoy cerca de morir, utilicé crack y heroína durante años... nunca quise terminar con mi vida de esta manera”. Con esta tragedia es como para muchos termina el grunge de la misma manera como comenzó: con la muerte por sobredosis de heroína de Andy Wood, vocalista de Mother Love Bone en 1990 (proyecto anterior a Pearl Jam).

 

INDEPENDENCIA CONDICIONADA: EL INDIE

 

Con la muerte de Staley, la consolidación de Pearl Jam como una banda icónica, y la aparición de The Strokes, el 2002 vio partir a una generación de rockeros alternativos y presenció la llegada de otra. ¿Qué significaba esto? Primero, que oficialmente el grunge había cerrado un ciclo y que había quedado como género de culto y no como moda. Segundo, que nacía una nueva generación de músicos de rock en otras ciudades norteamericanas además de Seattle, especialmente en San Francisco, Los Ángeles e indiscutiblemente Nueva York, así como en Londres, París y Buenos Aires.

 

A principios de este nuevo siglo, los jóvenes músicos hartos de las complicaciones y tediosas condiciones de la industria musical decidieron apostar por la independencia en cuanto a la producción y distribución de su trabajo. Valiéndose de las bondades de Internet, lograron difundir sus obras a lo largo y ancho del globo.

 

Algunas bandas decidieron dar continuidad al sonido orgánico del grunge (amplificadores de bulbos y guitarras clásicas como Les Paul, de Gibson, así como Telecasters y Stratocasters, de Fender), pero con baterías más apegadas a lo logrado en los años setenta (planas y sin brillo). Otros viraron nuevamente el rumbo sonoro decidiéndose por el sonido digital y la experimentación con cajas de ritmo y sintetizadores. Ambos proyectos podían convivir armónicamente en la nueva escena underground a nivel mundial.

 

Para el 2005 el corte de las producciones de este nuevo movimiento, el indie, ofrecía interesantes propuestas como la de The Strokes que retomaba elementos sonoros y técnicos del punk, o Block Party, quienes también imprimían ese sonido, pero con riffs y escalas de guitarra más complejas y creativas.

 

Como bien sugiere el nombre del movimiento, Indie; se entendía que la esencia de éste era lograr la mayor independencia de las disqueras transnacionales, lo cual les daba el carácter de contracultural o de underground. Nuevamente el factor tiempo entra en escena. Igual que el grunge, su carácter alternativo duró no mucho más de un lustro, ya que la popularidad de bandas como las anteriormente mencionadas, así como de Foals, Franz Ferdinand, Arcade Fire, Postal Service, Ratatat, Justice, Bright Eyes, Kasabian, Le Tigre, Ladytron, Razorlight, The Rapture, Ra Ra Riot, Regina Spektor, The Libertines, Empire of the Sun, Arctic Monkeys, entre muchísimos otros, llegó a tal grado que desvió sus intenciones alternativas colocándolos en las listas de popularidad más importantes del mundo.

 

¿Cuál será el futuro del movimiento? Aún es pronto para llegar a conclusiones exactas, pero sí es posible hacer suposiciones con base en el panorama actual. Cada vez más se pone en entredicho la esencia alternativa del Indie como movimiento musical y se tilda de mainstream. Hordas de jóvenes alrededor del mundo escuchan las mismas bandas, visten como sus ídolos, y asisten a multitudinarios festivales. Y otra vez lo alternativo se convierte en moda.

 

Amigos, damas, caballeros, melómanos y demás, hasta aquí llega esta reflexión sobre el concepto de música alternativa. Vale mencionar que es únicamente una de tantas, la cual se basa en los casos del grunge y del indie. ¿Cuál será la nueva apuesta de lo alternativo?, ¿será la creatividad musical o la diversificación en su distribución lo que le brinde carácter de underground a las nuevas propuestas? Aún no lo sabemos, y podremos echar la moneda al aire en repetidas ocasiones suponiendo distintos caminos, pero definitivamente lo más atractivo en este momento será ver que la creatividad siga siendo el móvil del rumbo musical.

Cuáles son los límites que dividen la música alternativa de la comercial?, ¿cuál es, o cómo se compone la esencia de la música que resulta distinta a la del mercado? Las modas sonoras son de fácil detección, ya que generalmente merecen los honores de los medios masivos de comunicación, pero la llamada música alternativa logra, con base en la creatividad, una amplia gama de manifestaciones." data-share-imageurl="">

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