Si bien no es novedad escucharlo cantándole a la amistad, a la nostalgia de los viajes, al desamor y la ebriedad, sí es digno destacar que este Calamaro es fresco y explosivo, pero centrado y definido a la vez. A lo largo de su trayectoria como solista se le ha visto experimentar con géneros y subgéneros como rock, punk, blues, reggae, balada, bolero, tango, tanguillo, rumba, milonga, y cumbia, entre otros, y en ocasiones combinándolos todos en un mismo proyecto discográfico, pero ahora con On the Rock presenta un producto más condensado, que se limita a los horizontes rockeros, en el cual se hacen muy presentes cada uno de los miembros de la banda. Suena más a una banda de rock que a un frontman bien acompañado. Ahora bien, eso no le impide imprimirle un toque de experimentación, ya que en varios temas se encuentran artistas invitados como El Langui, Calle 13, Niño Josele (quien lleva acompañándolo por lo menos desde 2004), Diego –el Cigala-, Enrique Bunbury y Vicentico.

Buena selección de temas que nos remiten al ambiente de los bares a la media noche, a los aromas y fragancias de la calle en movimiento, a infinitas esperas en estaciones de tren y aeropuertos. Buenos arreglos de cuerdas en Te Extraño, y guitarreos, tanto limpios como distorsionados, a full en Flor de Samurai, son algunas de las características más destacables de este album.

En fin, lo más prudente es parar la pluma y dejar a ustedes la opinión final. Así que amigos, caballeros, rockeros, baladeros, tangueros, eternos nostálgicos y curiosos, la casa recomienda escuchar On the Rock, tal como es, con una malta bañando únicamente un hielo.

Resabio de aquellos que alzaron la voz no por un mundo mejor, pero sí por uno más justo, menos cruel y más conciente del lado oscuro del hombre. Musicalmente activo, en un mundo en donde las posturas platónicas se fueron desgarrando y desangrando hasta quedar completamente sepultadas por la lápida de un sistema político, económico y de integración social comodino, superficial, prefabricado y predecible, decidió rescatar lo más auténtico y original de las distintas músicas del mundo, para mostrar que, si las manifestaciones artísticas de diferentes culturas pueden fusionarse y convivir en plena armonía, también lo pueden lograr sus habitantes.

Después de haber recorrido distintos fotos alrededor del mundo, de haber puesto a bailar a las masas alemanas, japonesas, estadounidenses, chilenas, australianas, neozelandesas, entre otras, hoy día se encuentra en México promocionando su más reciente producción, El Gitano Western, un híbrido entre la música balcánica, de banda norteña (mexicana), y el sonido crudo del rock&roll. Una verdadera oda para aquellos de espíritu errante.

Amigos, caballeros, bellas damas, y aquellos con alma pata de perro, Los de Abajo y Liber Terán son otra recomendación de la casa, la cual invita a dejar de lado nacionalismos pervertidos, para dar cabida a una nueva conciencia de integración universal entre los individuos.

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Después del swing y el bebop, a finales de la década de los cincuenta, surge este nuevo retoño del jazz llamado Free Jazz, el cual consta de cinco puntos esenciales, de acuerdo a Joachim E. Berendt en su libro El Jazz, que son:

• Una irrupción en el espacio libre de la atonalidad.
• Una concepción rítmica que se distingue por la disolución del metro, el beat y la simetría.
• La irrupción de las –músicas del mundo- en el jazz, el cual se ve repentinamente confrontado con todas las grandes culturas musicales, desde África hasta la India, y desde Arabia a Japón.
• El realce del momento de intensidad, en forma desconocida en anteriores estilos del jazz. (El autor también menciona que los músicos del free jazz hacen un auténtico –culto a la intensidad-).
• Una extensión del sonido musical, el cual invade el ámbito del ruido. (¡Cuidado! Ruido no significa estridencia).

El último punto va de la mano del segundo. El ruido en el jazz puede ser entendido de  distintas maneras, ya que abarca diferentes rubros como la ruptura en el orden de los tiempos, métricas y/o, anteriormente conocidas en el bebop. Además, los oídos de aquel entonces catalogaron de ruidoso el free jazz porque no lograban comprender una armoniosa composición nutrida de escalas arábigas, amalgamadas con el beat de un blues o de un swing, y en donde los solos de saxofón, piano o contrabajo lograban extensiones tan largas como la inspiración de los ejecutantes dictara.

Don Heckman, crítico y músico neoyorkino, dijo alguna vez, “Creo que durante toda la historia del jazz hay una tendencia de crecimiento libre, en dirección a la liberación de la idea improvisadora de las limitaciones armónicas”. Esta cita describe óptimamente la esencia del free jazz, es decir, la libertad de jugar con distintas métricas y armonías. Esta liberación supone un nuevo eslabón en la tradición jazzistica, no una ruptura, y abre paso a todas las posibilidades para la explorar nuevos horizontes en la improvisación.

Cosmopolita y portavoz de la autoexploración espiritual. El free jazz no sólo rompió limites y estereotipos en la música, además, fue una manifestación artística que invitó a la reivindicación de los derechos de los negros en Estados Unidos y puso en duda algunas bases cristianas. Joachim E. Berendt menciona en El Jazz una cita al respecto del escritor afroamericano, James Baldwin: “Todo el que desee llegar a ser un ser humano verdaderamente moral deberá divorciarse primero de todas las prohibiciones, crímenes e hipocresías de la Iglesia cristiana. La idea de Dios sólo es válida y útil si puede hacernos más grandes, más libres y más capaces de amar”. De esta manera músicos como John Coltrane, Herbie Mann, Art Blakey, Randy Weston y Ornette Coleman, entre otros, fusionaron en el jazz armonías y métricas tanto de música árabe como de la India. Berendt también hace mención de la riqueza rítmica que tiene la música clásica india, ya que se basa en talas (series y ciclos rítmicos de enorme variedad, los cuales van desde 3 hasta 108 golpes), y sostiene que esta separación de la uniformidad en 4/4 (el tiempo más simple y común en la música popular) es lo que fascina a los jazzistas modernos.

John Coltrane

Irónicamente su estancia en el mundo fue relativamente corta, ya que murió a los 41 años de edad, pero una de sus más reconocidas aportaciones a la música fue el sentido de atemporalidad en el jazz. Extendió los solos de su saxofón (tenor y soprano) tanto como su imaginación se lo permitió. Icono y maestro de la improvisación. Jugó con armonías arábigas e indias sobre bases de blues, y rápidamente esas aportaciones comenzaron a captar la atención del mundo entero, a tal grado que la frase más famosa sobre su ejecución fue, “Lo único que puedes y debes esperar de Coltrane es lo inesperado”, publicada por Zita Carno en la revista Jazz Revue.

Después de haber tocado con Miles Davis y Thelonius Monk, en 1960, ya como líder de su cuarteto, decide lanzar My Favourite Things, álbum que resulta ser todo un éxito gracias a la entonación nasal de una zourka (instrumento árabe muy parecido al oboe) en su saxofón soprano. Esta innovación evidenciaba claramente las influencias de la música árabe en la nueva variante del jazz. Un año más tarde graba Olé Coltrane (con la disquera Atlantic) y African Brass (con la disquera Impulse) en donde hace cada vez más evidente la incorporación de escalas y armonías hispano-moriscas e indias a su música.

Para él la religión jugó un papel fundamental, porque entendió que si elevaba su sentido de espiritualidad, podría entonces ampliar su creatividad musical. Explorando la música oriental, y haciéndola cada vez más presente en sus composiciones, manifestó una firme posición ante la apertura espiritual que existía en la India y en algunos países árabes. Para Coltrane (o simplemente Trane como se le conocía popularmente) el concepto de deidad resultaba sinónimo de libertad, de integración en la diversidad, que si bien podía concretarse armónicamente en su música, también debería ser posible entre las personas. A Love Supreme, una de sus obras más complejas y reconocidas, es considerada por muchos críticos como el disco en donde llegó a su punto más álgido en la composición, y con una mayor impresión de lo espiritual. Este álbum consta de cuatro temas definidos por el mismo autor como una mezcla de “elegancia”, “elevación” , y “entusiasmo”, en donde logra esta ofrenda a lo incorpóreo, a lo místico, y a la libertad.

Ya en 1964 muchos defensores de los derechos de la población afroamericana en Nueva York habían encontrado en la música de Coltrane una manifestación artística que reivindicaba la Nueva Música Negra. Un año después ofreció un concierto en la Black Arts Repertory School, en donde el entonces director, Leroi Jones (también escritor y poeta), lo calificó de “orientalista”, de ser portavoz de un lenguaje de paz y unidad, y de poseer la energía rítmica negra en el blues dentro del plano de la reflexión.

En fin, profundizar en el Free Jazz, así como en la vida y obra de John Coltrane, llevaría a escribir textos de dimensiones enciclopédicas, pero seguramente más adelante le daremos continuidad a este tema con algún otro artista o disco en particular. Para aquellos amantes del blues, la música étnica, y el jazz, Equinox, Blue Train, y A Love Supreme, son, en definitiva, unas excelentes recomendaciones para deleitarse con la libertad cosmopolita de este género.

Equinox – John Coltrane

Equinox

Blue Train – John Coltrane

Blue Train

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Basta con escuchar alguna de las dos o tres estaciones de radio que dedican su programación a la música alternativa para darse cuenta que comparten tres elementos comunes:

• Pobreza en el lenguaje de los locutores (pese a que varios o muchos de ellos presumen haberse licenciado en ciencias de la comunicación).
• Absoluto desconocimiento musical, tanto teórico como práctico (alguna excepción honrosa habrá, pero la gran mayoría no aprendió ni a tocar la flauta en primaria).
• Opiniones completamente tendenciosas, es decir, dependerán de la moda, del auge del artista en el mercado, etc…

Actualmente ya no existe una sola publicación que tenga una crítica musical constructiva. Las pocas que circulan se limitan al uso coloquial de términos vulgares como –chido-, -buena onda-, -gacho-, además del abuso de anglicismos como –cool-, -in-, -wild- entre otros. También vale la pena mencionar que gran parte del contenido de las notas es un breve resumen de la página de Internet del artista, o en el mejor de los casos, un refrito de alguna entrevista publicada en revistas extranjeras.

La juventud merece y debe exigir publicaciones de mayor calidad, más nutridas de información, con entrevistas más elaboradas, con fuentes mucho más confiables y con datos más relevantes. Resulta indignante que una publicación como la edición en castellano de Rolling Stone tenga altos índices en ventas, dado que muestra absoluta incoherencia temática, pobreza tanto en la traducción de los artículos originalmente escritos en inglés, como en el lenguaje de los redactores (parece un mal común que aqueja a muchos comunicadores mexicanos), además de una falta de contexto hacia la realidad mexicana, ya que no es extraño encontrar por ahí alguna traducción literal de expresiones en inglés, que al ser traducidas pierden todo sentido.

Desgraciadamente el abandono al proyecto educativo en México se hace cada vez más evidente, y los supuestos comunicadores y críticos musicales no muestran lo contrario. ¿Por qué en Argentina y en Inglaterra la opinión musical es mucho más elaborada, fundamentada, y en términos generales de mucho mejor calidad? La respuesta a esta interrogante es compleja, pero sin duda, el que en esos países la instrucción musical forme parte de la educación básica, y que en ella tenga una alta jerarquía, repercute positivamente tanto en los músicos, como en la opinión popular. Gran parte de los críticos musicales en Argentina, España, e Inglaterra tienen, además de conocimientos musicales básicos, experiencia en escenarios y/o estudios de grabación, lo cual les permite tener otra perspectiva del tema. Esa pizca de empirismo le brinda otra dimensión a la opinión. Entender la música desde dentro, desde otra óptica, le da a los críticos argentinos, españoles e ingleses, mucho más veracidad, más fundamentos, mayor capacidad de análisis y, en definitiva, eleva la calidad de la crítica.

La inconformidad de este texto es justo hacer hincapié en que la crítica y el análisis que se hace en México no supera las barreras de la moda, de lo común y de lo simple. Muy pocas veces se ahonda en temas como la complejidad en la construcción de armonías que tiene una banda o artista, rara vez se escucha o lee a alguien que enfatice sobre el ímpetu y el trabajo de algún instrumentista para lograr un sonido peculiar y definido. Por ejemplo, de Charly García y Gustavo Cerati únicamente se habla del estado de salud en el que se encuentran, sus adicciones a las drogas, procesos rehabilitación, regreso a los escenarios, la trascendencia de algunas canciones icónicas y no más, nadie puntualiza en la esencia musical de estos dos titanes argentinos de la composición, nadie habla de la evolución de su sonido, nadie profundiza en el proceso evolutivo de la composición armónica que han tenido, y nadie se atreve a desmenuzar las canciones para encontrar la riqueza rítmica y armónica que contienen. ¿Y los grandes músicos mexicanos?, ¿qué ha pasado con ellos? Sobre Chetes (indiscutiblemente uno de los músicos más vanguardista de la escena nacional) se le reconoce que cante en inglés y que siga vigente con varios proyectos, pero no se hace mucho alarde de las grandes aportaciones que dio desde su banda anterior, Zurdok Movimento, ni del gran compositor que es. Ejemplos sobran, pero lo importante es darnos cuenta de que la opinión musical en nuestro país es muy pobre porque quienes se encargan de ello tienen grandes carencias y limitaciones en el tema.

En fin, este polémico tema da para mucho más y seguro le estaremos dando seguimiento aquí en acidconga.com. Nos encantaría que nos compartieran sus opiniones al respecto. Ah, quisiera agregar que esta crítica no va para todos los comunicadores mexicanos, ni para todas las estaciones de radio, como ya había mencionado, existen locutores y estaciones que tienen programas muy interesantes, con puntos de vista y análisis sumamente elaborados y enriquecedores, pero por desgracia no son la mayoría.

Esta banda multiétnica de Melbourne continúa llevando el mensaje de paz, igualdad y equidad característico de las bandas de ese género que se encuentran en todo el mundo. Ahora bien, es de extendido conocimiento que Francia y Argentina son países en donde este movimiento, tanto social como musical, tiene muchos representantes y seguidores, de ahí que siga en auge, pero ampliando un poco más el horizonte les presentamos esta recomendación desde Oceanía que vale mucho la pena considerar.

Son ocho integrantes en donde destacan la voz femenina de Natalie Pa’apa’a, quien se encarga de la voz y la guitarra, Carlo Santone en el bajo, Salvador Perisco en las percusiones, Sam Cope en los teclados, Peter Wilkins en batería, además de Ngaiire Joseph, Linden Pomare, Haile Cramer y Jess Harlen en coros y voz. Todos proponiendo distintas influencias desde África y Europa, pero con un mismo proyecto el reggae.

“Blue King Brown es mi banda favorita actualmente. Abarcan todo lo que amo en la música, como desde lo que hace Ozomatli, algunas bandas africanas, Tower of Power hasta Santana. Ellos tienen la voz de la calle y la banda del futuro”, Carlos Santana.

Continuando con ese mensaje de revolución a ritmo de –urban roots- esta banda se encuentra ya haciendo giras por Japón, Canadá, Estados Unidos y algunos lugares más. Todo esto con apenas un EP y un álbum, Blue King Brown y Stand Up respectivamente.

Queridos lectores en verdad para los que gusten del afrobeat, urban roots, reggae, y demás géneros colindantes esta es una excelente recomendación.

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