Recomendaciones

Amigos, caballeros, rockeros implacables y demás, el siguiente turno, dentro de esta saga de reseñas sobre instrumentos musicales, es para los amplificadores británicos Marshall.

Definitivamente es uno de los productos de amplificación con mayor aceptación y goce en el mercado de guitarristas. Aunque bondadoso, tan limpio y tan fresco como se necesite, el rock es su target. Resulta universal en el sentido que no es nada exclusivo ni celoso de la guitarra a la que le dará voz. Armoniza sin problemas con gran variedad de guitarras como la Stratocaster o Telecaster de Fender, brindando personalidad, presencia y punch, tanto a su sonido limpio como distorsionado. Pero también es un perfecto interprete de una Jackson, o cualquier otra guitarra rápida, cuya elección es el Heavy Metal. Ahora bien, muchos sostienen que su alma gemela es la Les Paul de Gibson, ya que la simbiosis que se crea entre ambas es una alabanza a la potencia, agresividad, definición, pulcritud, crudeza y personalidad.

La variedad de modelos es amplia, pero hay varios modelos que destacan. Actualmente el más conocido es el JCM2000, dado que fue popularizado durante la época del grunge y el nu-metal (ambos en los años noventa). Es crudo y con una potencia impresionante.

Las versiones que cuentan con válvulas logran un crujiente sonido, casi percutivo y que llega a efectos sonoros muy profundos. ¿A qué nos referimos? Bueno, cuando un guitarrista logra sacar provecho a la reverberación y a la distorsión, imprimiéndolo en su feeling, entonces es que esta es la opción indicada para su sonido. El crujir de la válvula durante un acorde sucio y distorsionado, o el lamento que le imprime al sustain de un solo, son virtudes altamente apreciadas por los amantes de esta casa de amplificación.

La lista de guitarristas que lo han tomado como pilar indiscutible en sus sonido es innumerable, pero sí vale la pena destacar que nombres como Jimmy Hendrix y Jimmy Page (¡ojo! El primero con Stratocaster y el segundo con Les Paul). Independientemente de las virtudes o críticas que se susciten alrededor de estos nombres, algo que es innegable es la potencia y agresividad en sus sonido. Uno más sucio y psychodélico, el otro virtuoso y pulcro, pero ambos emulaban a un tren desbocado sin piedad de comerse y arrollar todo a su paso.

Insisto, amigos, caballeros, rockeros y demás, pecaríamos de fanáticos si continuáramos hablando sobre las características y bondades de esta opción para dar voz a nuestras guitarras. Es mejor invitarlos a que, en la infinita búsqueda por lograr un sonido personalizado, intenten sumergirse en el mundo sonoro que esta casa de amplificación puede ofrecerles.

The Bad Plus es un un trío musical de jazz contemporáneo formado por el pianista Ethan Iverson, el bajista Reid Anderson y el baterista David King. Anderson y King son originarios de Minnesota, e Iverson es de Wisconsin. Los tres comparten esa influencia de vivir en el medio oeste de Estados Unidos, asi como haber realizado juntos sus primeras experiencias musicales, la banda se creó en mayo del 2000, el credo musical de la banda es de una irreverencia apasionada al hacer versiones de temas del rock o el pop clásico, música disco, estándares de jazz o composiciones propias a un contexto mas oscuro y jazzístico , lleno de matices de todo tipo y con un gran sentido de la improvisación y en ocasiones dirigido al free jazz y al progresivo.

Bad Plus posee un concepto más provocativo del jazz, en su toque hay cabida para hacer repaso de toda la historia del género desde ángulos perversos, para la creación de ambientes inquietantes, para la reinvención de estándares en claves inusitadas y para la invitación a la sorpresa constante, partiendo siempre desde un punto de vista irónico y lleno de complicidades.

Surge una interrogante con esta banda: Es un trío de jazz pop y rock con influencias? ¿O son un power trío que les gusta tocar jazz? Pues es realmente un poco de ambos, pero en el nuevo mundo del jazz postmoderno las crisis de identidad suelen ser frecuentes, pero en esta banda parece que no. Sus integrantes después de cruzarse en lugares tan inverosímiles como en el mundo de la alta escuela del rock y en la tentativa escuela del jazz libre, terminan por encontrarse en los 90’s nombrándose como The Bad Plus, abarcando las influencias por separado, cada músico desarrollo un lenguaje musical único, creando una plantilla de 'jazz iconoclasta. Pero a lo largo de los 90’s pasaron mas en proyectos por separado e hicieron trabajos tales como: Anderson lanzó tres álbumes en el mercado, Iverson fue director musical de la prestigiosa ciudad de Nueva York del Grupo de Danza Mark Morris, y King trabajaba con su Happy Apple combo.

En agosto de 2001, el trío decide dejar de lado sus otros proyectos en solitario y publican The Bad Plus a través de Fresh Sound, que los estableció como un grupo sin miedo a alejarse de los límites del jazz, pero con la suficiente confianza en sus incursiones para que sean estimulantes y no sólo novedades. El debut fue un éxito de la crítica, obteniendo el mejor de los honores del New York Times y el Chicago Reader, entre otros. Tuvieron en 2002 una actuación memorable en el Village Vanguard de Nueva York, que llevó a Columbia Records a firmarlos, en febrero de 2003 la discográfica lanzó These are the Vistas segundo album que fue producido por el extraño jazzista y ex- América Playboy Tchad Blake. El álbum presenta composiciones originales de cada músico con timbres pocos comunes en el mundo musical fuera de las fronteras del jazz. Su versión de "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana (que Iverson informó nunca había oído antes) fue un suceso y una innovación en la manera de versionar, llevando la canción a un mood y un contexto totalmente fuera de proporción, con grandes momentos de libre expresión de cada uno, cayendo a veces en un free jazz totalmente a propósito, además de hacer el tema de Blondie "Heart of Glass", hicieron el tema Film de Aphex Twin, causaron el fervor en la crítica y en la audiencia, hicieron que de la mezcla potente del trío obtuviera su personalidad y el rendimiento que realmente les define.

The Bad Plus recorrió todo el año 2003 sobre todo la primavera y el verano de gira mundial, para luego en el 2004 preparar el siguiente disco de la banda llamado GIVE, resaltando el tema de Black Sababth “Iron Man”, haciéndolo mas oscuro y pesado que el original, llevándolo a un nivel mas extremo de sonoridades libres y progresivas, re-inventándolo totalmente de manera magistral. Cuentan ya en su haber con 7 discos editados a lo largo de la década pasada y asi fueron frecuentes sus revisiones de artistas tan dispares como gigantes: ABBA, Black Sabbath, The Bee Gees, Queen, Blondie, Aphex Twin, Neil Young, Bjork, Tears For Fears, Burt Bacharach, David Bowie, en sus siguientes trabajos. En el 2010 lanzaron su último trabajo titulado NEVER STOP, haciendo este el primero con temas originales y propios, va de ser suave y melódico a ser feroz y abstracto, con un toque del tecno de los 80’s, pero nunca deja de estar ligado entre sí por el sonido original del grupo que acepta la diversidad como una fortaleza.

En directo la banda es impresionante, no te dejan de sorprender, el virtuosismo de los tres es evidente, lograr engancharte de poco a poco, sumergiéndote en un mar de sonoridades tan dispares como aterrizadas, sus improvisaciones son excelsas y precisas, por momentos parecería que se perdieron, pero es tan intencional y saben bien lo que hacen que cuando menos lo esperar te regresan a la tierra, el baterista King es verdaderamente fuera de los común, maneja los tiempos y el swing de manera magistral, además suele jugar con todo lo que conforma su batería, llámense, atriles, tambores, platillos, incorpora a sus solos patrones de ruido organizado provocados por juguetitos e invenciones de corte sonoro, que complementan el ambiente que quiere proyectar, a su vez el pianista improvisa de manera tanto tradicional como pasa por un carrusel de espectros sonoros armónicos que le dan el toque místico y de free, toca las cuerdas dentro del piano con las manos y con otros artefactos, el contrabajo no se queda atrás dándoles ese colchón grave poderoso, tanto con un walking, como con unas progresiones de rock progresivo, haciendo uso de todo el instrumento, ya sea el cuerpo de manera percutiva, asi como las cuerdas por igual.

A partir de ese momento mágico a principios del 2000, el jazz fue reinventado, ajustado y refrescado por las nuevas generaciones de músicos , trayendo nuevos apellidos al Jazz tales como (nu-jazz, avant-jazz, jazz de vanguardia…) gente como Jojo Mayer y por supuesto The Bad Plus, encabezan este movimiento, con gran virtuosismo y sin miedo a cambiar y llevar al siguiente nivel a un género que se había estancado en solo tocar cada vez mas rápido, olvidando transmitir y expresar esa emoción que el arte posee, sin lograr conectar mas con la gente de otros ámbitos musicales y de hacer música mas visceral desde adentro.The Bad Plus le agrego un poco de humor y alegría sin dejar atrás el buen nivel, totalmente un estilo desenfadado, pero sabiendo exactamente lo que hacen y hacia donde quieren llevar el Jazz en este siglo. Ya van diez años desde que The Bad Plus apareció en su esplendor y créanlo que está aquí para quedarse por otros años mas, siempre buscando evolucionar al jazz.

Los dejamos con un video de The Bad Plus en el Jazzaldia (San Sebastian) 2009:

A veces resulta divertido adivinar el país de origen de una banda con sólo escuchar su música o relacionar su nombre.

Cuando escuchamos por primera vez a Imperial Tiger Orchestra, mis amigos y yo nos concentramos en la música y cada quien por su lado encontraba influencias sonoras de lugares del mundo completamente opuestos. Por el nombre, quieres asociar inmediatamente con Asia, donde los dra- gones imperiales tienen una importancia relativa en la cosmovisión de la región. Estábamos introduciéndonos a esta banda con el disco de Mercato (Mental Groove Records, 2011). El ritmo era definitivamente africano, pero había una “guitarrita” que le daba un sabor diferente, más oriental definitivamente. Sin embargo, la segunda canción nos desquició a todos. Suena medio árabe, dijo alguno. El otro asentó con la cabeza pero agregó que tenía mucho groove y que más bien le sonaba a una variación del afrobeat, aunque definitivamente era una fusión por la cantidad de recursos electrónicos que le han agregado a la música. El pasar de las canciones y con ello el incremento en el consumo de cervezas exacerbó nuestra paciencia y decidimos buscar en internet. .

Nadie en su (in)sano juicio hubiera atinado a que Imperial Tiger Orchestra es una banda de suizos güeros de Ginebra ni mu- cho menos que su más grande inspiración fuera la música etíope de finales de los años sesenta y setenta. La historia empezó en 2007 cuando el trompetista Raphaël Anker juntó a un sexteto para recrear en un festival canciones de la edad de oro de la música en Etiopia. Les fue tan bien que decidieron continuar con el proyecto y así formar Imperial Tiger Orchestra. De hecho, su primer disco se llamó Addis Abeba (Mental Groove Records, 2010), nombre de la capital etíope. Este LP consistió en una recopilación de canciones que se hicieron famosas en los bares y clubes nocturnos de aquella ciudad, durante los años en los que todavía Haile Selassie se mantenía como emperador para unos, sangriento dictador para otros y el mesías negro para los rastafaris (sobre este punto hay una interesantísima etnomusicología ligada a la figura de Haile Selassie y el reggae). .

Con un sonido más tradicional, en ese primer material, los inquietos suizos fusionaron sus diversas escuelas de desarrollo musical (las cuales van desde lo clásico, pasando por el jazz y llegando hasta el noise) para adaptar estos clásicos musicales, tradi- cionalmente cantados, en joyas instrumentales. Ya en su segundo disco, Mercato, el grupo preservó la belleza de las líneas melódicas y la estructura de la música etíope, pero agregó composiciones propias y sonidos más extravagantes, lo que les dio un sonido nuevo y fresco, comparado con el resultado del primer material. .

Pese a esto, la música mantiene ese groove que bien hubiera podido sonar en las calles de Addis Abeba unos cuarenta años atrás pero con algunos elementos de electrónica que le agregan frescura. Posteriormen- te, las referencias sonoras pueden llegar a cruzarse, ya que los ingeniosos intérpretes utilizan el “Phin”, una guitarra tailandesa que le agrega un misticismo oriental, mientras se acompañan por el “kebero”, una percusión utilizada generalmente en la música tradicional etíope. El resultado es una maravillosa mezcla de experiencias sonoras, que varían entre lo retro y la actual, el rock y la música tradicional, y el groove occidental con el ethio-jazz. .

Varias de las canciones recreadas por esta banda son originales de los músicos más grandes de Etiopía. Entre ellas se encuentran temas de Muluqen Mellesse, Mahmoud Ahmed, Rahel Yohaness y el propio Mulatu Astakte. Otras son canciones tradicionales de la música etíope e incluso reinterpretan el tema que se utiliza en la celebración del matrimonio (Shinet). Por todo esto, la Orchestra del Tigre Imperial merece una buena escuchada y es, sin duda, una digna banda para aparecer entre las hojas de esta revista, la cual busca dar espacio a propuestas sonoras no convencionales.