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La gama de ángulos desde los que puede ser apreciada la música resulta tan variada como individuos habitamos la tierra, o tan compleja como combinaciones armónicas y rítmicas existan en la imaginación.

En efecto, hay muchas formas de estudiarla, disfrutarla y comprenderla, pero hay una que logra ir más allá de la pasión, la técnica, el feelin´, el disfrute o el sufrimiento, y esta es: asumir la música como un oficio. Ya sea como interpretes o compositores, músicos de estudio o de escenario, quienes han decidido ganarse la vida por medio de las artes sonoras conocen mucho más sobre los efectos sentimentales que una canción puede transmitir. Quienes no hemos elegido ese camino disfrutamos de un tema o de una canción, o simplemente de un género, momentáneamente, casi como el efecto de un estimulante (entra, surte efecto y pasa). Nosotros apreciamos la música como una fotografía, mientras que los auténticos músicos, quienes hacen carrera día con día, ellos la viven como una película cuyo final aún sigue en suspenso.

“Es un matrimonio”, dicen algunos. “Dormir con el enemigo”, opinan otros. Y el resto coincide en que no es una forma de vida, sino “la forma en que tú decides vivir tu vida”.

Amigos, damas, caballeros, instrumentistas, melómanos, curiosos y demás, a continuación presentamos el testimonio de algunos personajes que asumieron la responsabilidad de ganarse la vida con su instrumento, y ahora comparten con nosotros esa lectura, esa otra óptica, sobre el verdadero significado de haber elegido a la música como jefe, compañera de vida, amiga y enemiga a la vez, y sobre todo, el haberla definido como un trazo distintivo y determinante de su genética. Ellos no conocen la gloria de las ventas millonarias en las listas más afamadas de la industria musical a nivel internacional, y menos han impuesto modas musicales, tampoco aparecen en los escaparates o en las vitrinas de tiendas de música, o en camisetas que porta la juventud al asistir a foros multitudinarios. Ellos simplemente están detrás de todo eso, viven la música desde el punto de vista que no le atrae a nadie. La gozan después de haberla sufrido y la sufren nuevamente después de haberla aprendido a gozar.

Ricardo “la lágrima” Boschetti

MHC: Ricardo, cuéntanos un poco sobre ti y sobre tu perspectiva musical

RB: Hola, pues, me dicen la lágrima porque desde pequeño aprendí a sentir la música muy dentro de mi ser, y al interpretar un tema mis viejos decían que le sacaba una lágrima a cada nota que tocaba en la guitarra. Éramos pobres en mi familia, vamos, gente de barrio, un lugar en donde la gente se gana la vida aprendiendo un oficio, zapateros, cocineros, mecánicos, carpinteros y los que cometíamos el imperdonable pecado de soñar con un mundo mejor elegíamos el oficio musical. Comencé tocando la guitarra en el instituto, ahí aprendí lo básico sobre armonía. Después me junté con una panda de tangueros, y fueron precisamente ellos los que me enseñaron más que temas, teoría o notas, me enseñaron cómo vivir como lo hace un músico de oficio.

MHC: Si pudieras definir el concepto de música, ¿cómo sería?

RB: Un matrimonio. Tal cual. A la música la elegís como lo haces con una pareja. Siempre te deslumbra lo atractivo, lo sensible, lo nervioso y lo lindo, pero lo difícil viene cuando hay que sacar lustre a las piedras. Si la música te deja millones de dólares al cabo de 5 años de carrera entonces resulta que amas loca y perdidamente a la música y a cualquier deidad que la puso en tu camino, pero cuando llegas a casa con los pies destrozados, el estómago vacío, después de horas de no dormir y en la puerta están todos los recibos por pagar, entiendes que la música la tienes que disfrutar desde otra óptica.

MHC: ¿Cómo aprendes a disfrutar la música, entonces?

RB: No todo es tan trágico o tan malo. Es verdad que cuando no sos un rockstar o un artista de fama internacional la vida musical es mucho más difícil, pero también tiene su atractivo, también remunera y no sólo monetariamente. Es muy distinto cuando tocas un tema por placer o cuando lo haces completamente inspirado, que cuando alguien te lo pide en un bar o en un recital. Pero uno crece con los temas, no tocas un tema igual veinte años antes o veinte años después, y tampoco lo disfrutas igual. Creces con él, lo amas, lo odias y lo vuelves a amar. Y ahí es cuando aprendes a vivir de y con la música, como lo haces con una pareja, en donde aprendes a disfrutar los momentos buenos, pero aprendes también a sortear los obstáculos de la vida.

Flor González González, la “Dolly”

MHC: saliste de Cuba para radicar en México interpretando música tradicional de tu país y haciendo arreglos para distintos artistas. Con tanta versatilidad musical y cultural, ¿cómo defines tu vida en relación a la música?

FGG: Mira, yo nací y desde entonces mi madre cuenta que yo al escucharla cantar sonreía e intentaba imitarla. No sé si nací con la música dentro o si recién nacida la música me dio la bienvenida al mundo, pero lo que sí sé es que es la única forma en la que puedo concebir el mundo. No podría dedicarme a otra cosa, porque no sé hacer nada más, fui a la escuela de música en La Habana y lo demás lo aprendí con los amigos de la familia que venían de Santiago. A los 9 estaba yo en un coro y era lo único que quería yo hacer.

Es difícil vivir de la música porque subes al escenario y estás en la cima del mundo, bajas y te regresas a la realidad. Necesitas tener a la música como prioridad en tu vida para subirte siempre con una sonrisa al escenario, independientemente de lo que suceda en tu vida personal, si no lo entiendes así, te puedes quebrar allá arriba (en el escenario) y eso no le puede suceder a un profesional.

MHC: ¿cómo interpretas un tema alegre cuando estás triste y viceversa?

FGG: ¡Ahí está el arte del interprete, querido! Hay quien dice que es más fácil cuando no es una canción propia, porque entonces puedes fingir, puedes interpretar algo que te llega, pero que no ha salido de ti. Pero la verdad es que depende de cada quien. Hay canciones que te llegan tanto o más que si tú las hubieras escrito. Hay canciones que han crecido conmigo, que las canto desde mucho antes de saber el significado de las letras. Por ejemplo, ¿qué pasa cuando ves a un niño pequeñito cantando una canción de desamor o de traición y comienza a llorar? La siente, le llega, lo toca, como si fuera él el protagonista, y no lo es. Ni siquiera conoce el significado de muchas palabras, pero hay algo en la musicalidad y en la forma de cantar que le pega.

Interpretar una canción no te hace ajeno a ella, al contrario, te acerca más, te une, porque aprendes a vivir con ella, a cantarla y a sentirla. Si, “la tierra es de quien la trabaja”, entonces las canciones deberían ser de quien las canta. No legalmente, porque no eres el compositor, pero si la haces tuya en el escenario por medio de tu interpretación, entonces la sientes como tuya.

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¿Cómo se vive de la música?, ¿es bueno vivir de ella?, ¿es malo vivir de ella?, ¿hasta dónde es un tema tuyo? La respuesta a estas interrogantes resulta muy personal. No existen juicios generalizados para afirmar o negar las bondades del arte de elegir a la música como un oficio. Las dos fuentes anteriores nos mostraron, de forma muy breve, su opinión sobre el día a día de quienes viven de la música sin ser famosos. Muchas veces la realidad muestra algo distinto a lo que aparece en los medios de comunicación sobre la vida de las celebridades. ¿Tienen ellos el éxito y el reconocimiento que merecen? Eso no lo podemos saber con exactitud, ya que cada quien habla desde su experiencia. Pero curiosamente todos muestran una cierta afinidad con el tema de la responsabilidad, es decir, el compromiso que se hace con uno mismo al decidir que la música será el camino a seguir en la vida.

Un músico es músico porque vive de la música y vive como músico, no es como alguien de otro oficio que cierra la cortina y un nuevo día llegará. Los músicos están constantemente en contacto con los sentimientos, al estudiar, al practicar, al subir al escenario, al bajar de él, al planear, al intentar desconectarse, etc… Y eso no es fácil, ya que eligieron un oficio que los obliga a estar en constante contacto con el lado blando del corazón.

Los argumentos planteados por los personajes de esta falsa entrevista son la recopilación de lo descrito y opinado por muchos músicos de oficio en México, España y Argentina. Son lecturas y ópticas de gente que vive la cotidianeidad con su instrumento, compartiendo cada gloria y cada pena. Gente que tiene que tragarse los sentimientos por seguir creando este oficio. Nuestro más sincero respeto a quienes forjan una cultura musical popular en cada rincón de los países de habla hispana.

En este caso no se abarcará el tema desde la perspectiva hacia una banda o hacia un proyecto. Esta vez la entrevista se ha hecho a dos figuras quienes han tenido una vida activa dentro del mundo de la músicas afroamericanas. Por lo que lo valorable de su música, más que ser la historia de un proyecto que viene de algunos años para acá, es sobretodo de un bagaje de experiencias que se han acumulado durante toda una vida, compartiendo escenario con los mas grandes y teniendo caminos sinuosos tal y como ha sido y sigue y seguira siendo dentro de la vida de los músicos verdaderos.

Historias como estas hacen resaltar a la vista cómo se ha ido difundiendo por el mundo la música afroamericana y como se funde y se mezcla con otras músicas. Sin embargo por la trayectoria que comparten, el punto de divergencia y la esencia, se puede decir que esta es la historia de una música afroamericana muy pura a pesar de lo determinante que ha sido la forma de romper con la fronteras y manejarse como peces en el agua de la música afroamericana internacional.

Boney Fields

Siendo breve, la historia de Boney Fields empieza cuando era joven por los 70s y visitaba los clubs de blues donde tocaban en esa época iconos como Buddy Guy, Albert King o el armonicista Junior Wells en su natal y legendaria Chicago. Legendaria por ser cuna e importante ciudad de la evolución del blues, por ser casa de las disqueras mas importantes de la época y por ser una ciudad que tuvo una migración bastante notoria por allá de los años 20s y 30s llamada la Gran migración, donde la mayor parte venía de poblados aledaños al delta del sur, como la acendencia de Fields.

Boney comienza a tocar profesionalmente en Chicago al principio de los 80s pero decide transladarse a Los Angeles en el 83 para tocar con Smokey Wilson y Albert Collins. Un año depués regresa a Chicago con the James Cotton Blues Band donde empieza a tener talla por esos años logrando hasta tocar con sus ídolos de adolecente. Ya estando consolidado como artista comienza a tener viajes entre Chicago y el sur donde entre esas épocas logra hacer colaboraciones con Buddy Guy, AV Reed, Eddie Clearwater, compartiendo estudios de grabación como de television con Maceo Parker, George Clinton y Bootsy Collings.

Después de una gira por Estados Unidos Boney Fields se traslada a París para comenzar The Bone’s Proyect (su proyecto), empezando una nueva vida en el nuevo continente, trayendo blues con denominación de origen.

Tonky de la peña

Hablar de Tonky de la Peña es hablar de uno de los mayores responsables del crecimiento del blues en su estado mas puro en España. Como una gran cantidad de músicos actuales, él fue influenciado de adolecente por aquella ola británica sesentera que a su vez parte en gran medida del blues. Sin embargo por España en esos años solo llegaba lo mas popular. Tonky decide adentrarse más, e incursionar mas a fondo dentro de las raíces del género.

Es de notarse la pulcritud con la que Tonky trata la guitarra, al escucharlo en vivo es de notarse el dominio que tiene del instrumento lo cual se puede decir de pocos. Y esto no es en vano ya que a pesar de ser un músico español el ha estado tocando y viviendo en puntos estratégicos, como por ejemplo su colaboración con Jerry Lee Lewis, estar de gira con Mick Taylor y hasta compartir escenario con el baterista de Hendrix, Buddy Miles, en el festival Bejar.

A pesar de entrar en circuitos de altura como el circuito de Chicago y de Texas jameando entre la crema de estos. Siempre ha manifestado una humildad y un compromiso con la música y ha inspirado a músicos de generaciones nuevas dentro de España. Tonky a llegado a ser considerado por muchos medios de peso como el padre del blues de Madrid y puede ser que hasta de España.

ENTREVISTA A BONEY

ACIDCONGA: ¿Cómo ves el panorama afro en España?

BONEY FIELDS: El sentimiento del blues es internacional, recorre el mundo y llega a todos los lugares. Europa es un continente donde la música siempre ha estado muy presente. ¿Sabes? Hay muchos músicos buenos dentro de Europa en estos estilos, tanto en Francia, como España, evidentemente Inglaterra, pero también en otros países como Suiza, donde nunca ha habido música negra. Siempre hay espacio para el blues.

AC: ¿El blues sólo existe en inglés?

BF: El blues vivirá siempre, donde sea, nadie olvidará el blues. El blues en español y en España es duro, un reto, especialmente para los artistas saliendo de este circuito. Tonky, por ejemplo, es una leyenda, lo hace desde los 70, es uno de los fundadores del blues aunque no suela hacerlo en castellano. Abrió un campo a gente como tú, mucha gente, jóvenes músicos, muchos que ni habían nacido cuando el empezó. Antes, los músicos de fuera sólo venían a los festivales, gracias a gente como él existen estos bares como en el que estamos ahora. Sería muy difícil que yo estuviera aquí hoy si en España no se sintiera el blues como se siente.

AC: ¿Cuál fue la razón para venir a Europa?

BF: Vine porque mi familia es muy grande. Tengo 6 hermanas y 3 hermanos en Chicago. Con tanta gente no puedes quedarte ahí, tienes que irte. Especialmente si eres músico. Vivo mejor ahora, todo el mundo en América a mi edad está gordo. De alguna manera en Europa me mantengo en forma (entre risas).

AC: ¿A quién admira Boney Fields?

BF: Sólo hay uno a quien admiro, que realmente me impresionó, Lucky Peterson, un gran artista, un gran amigo, nadie hace blues como él. Yo intento seguir con lo que el me enseñó. Artistas enormes como, Albert King o Jimmy Smith, todos ellos eran genios, pero ninguno me llegó tanto como Lucky. Para mi es el más grande.

AC: ¿Porqué decidiste tocar la trompeta?

BF: Buena pregunta, empecé muy joven, con 9 años. Con la banda del colegio. Había muchos baterías, yo quería ser batería antes que nada. Mi profesor me dijo - “hay demasiados baterías, necesitamos trompetistas”. Si quería estar en la escuela tenía que tocar la trompeta, así que me puse a ello. Lo odiaba al principio, pero un día viendo a Louis Amstrong en la televisión me di cuenta de que la trompeta no estaba tan mal, me impactó realmente. Ahí me di cuenta de que quería ser músico.

AC: ¿Crees que en 50 años seguiremos fijándonos en Louis Amstrong, Muddy Waters, o tendremos nuevos íconos?

BF: Quien sabe, ojalá dentro de 50 años mires atrás y me veas a mí (risas) pero siempre ha habido música de Amstrong. Él fue de los primeros, y eso siempre será así.

AC: ¿Con que proyecto has estado más cerca del sonido que buscas?

BF: Bueno, es difícil decir uno, ya sabes. Tengo cuatro discos. Los músicos siempre decimos lo mismo, cada disco intentamos sonar mejor. Hacerlo mejor. Haces el primero, luego el segundo, así debe ser. Por lo tanto, mi cuarto disco es sin ninguna duda el mejor. Y el quinto sin duda, será mucho mejor.

AC: ¿Tienes pensado cómo será el quinto?

BF: Ahora mismo estoy grabando un disco de Gospel, con una gran cantante, Jean Carpenter. Lo estoy produciendo y haciendo arreglos. Es un reto hacer algo diferente, apartarte del jazz y del blues y hacer algo así, es realmente interesante. 25 voces que tienes que ordenar, más las secciones. Queda mucho trabajo, pero es ilusionante.

AC: ¿Cual dirías que es tu concierto preferido?

BF: (suspiro) Tengo muchos, no sabría decirte ahora mismo.. he ido a tantos lugares, países. Hoy. No se lo digas a nadie, pero si me pregunta otro periodista mañana, le diré que mañana.

ENTREVISTA A TONKY

ACIDCONGA: ¿De donde viene el traer a artistas de fuera?

TONKY DE LA PEÑA: Es una costumbre que viene de lejos, todos los contactos que he ido ganando en mis viajes. Es impresionante lo abiertos que son los músicos que traigo. Están siempre dispuestos a experimentar, es algo increíble. La finalidad es aprender de los maestros. Este aprendizaje no tiene límite, y la mejor manera de ponerlo en práctica es tocar con ellos. Todos podemos aportar algo al blues. Es la lección de cada día. El blues es así, abierto a compartir, una máxima. Vale con mirar la historia del Mississippi, aquellos que un día eran cabeza de cartel, eran acompañantes al día siguiente. Sin batallas de egos. Es una lección muy sabia que he aprendido y que he tenido la suerte de disfrutar.

AC: ¿Cuándo ‘te tocó’ blues ?

TP: Llegué al blues a raíz de escuchar a grupos inspirados por la música negra. Empecé con los Beatles y los Rolling, como todos los chavales de mi edad. Luego llegaron grupos como Ten Years After, Hendrix que también se inspiraron en el blues. Ellos nos abrieron el mundo de los maestros negros. Vi claro que me motivaba y estaba a gusto. Esta línea me marcó de joven, aunque como todos, he tocado otros palos, pero siempre he sido ‘el del blues’ en las bandas en las que he tocado.

AC: ¿Echando la vista atrás, cambiarías algo?

TP: Básicamente no. Siempre se puede mejorar, pero he hecho lo que he querido. Me gusta tocar cada noche en un club, hacerlo mi modo de vida, viajar, ir a los festivales. Siempre cabe algo que podrías haber hecho mejor, pero realmente creo que he conseguido lo que siempre había soñado.

AC: ¿Hay futuro de blues en España?

TP: Lo hay porque existe un público razonablemente grande que se sustenta porque hay muchos fieles. A quien le gusta el blues no le gusta un tema como a quien le puede gustar lo que suena en la radio. El que se enamora del blues no es fan de “una canción” lo sigue, mima su gusto yendo a festivales, comprando discos. La situación es bastante pareja con el resto del mundo, estamos por debajo de la línea comercial, pero estamos. No se si será a este nivel o a otro, pero sin duda el blues tiene futuro.

El proceso de la conectividad social interna en paises que cuentan con una eficiente infraestructura en comunicaciones afecta en gran medida a la homogeneización cultural a modo de nacionalismo.

El mejor ejemplo es el de la cultura popular predominante como la ha sido la estadounidense después de la segunda revolución industrial. El desarollo social de esta gigantesca nación es el producto de una mezcla multicultural colonialista europea donde a paso del tiempo se infligió como una sola, generando la nación americana.

Esa identidad patriótica se vio fuertemente arraigada a un etnocentrismo que hasta la fecha sigue predominando. La hegemonía blanca, y la esclavitud fueron factores clave de esta nación para abrir brecha a una subcultura de gran valor antopológico y cultural como la es la afroamericana. A pesar de ser abolida la esclavitud en los estados al norte de Marland en 1830 y en todo Estados Unidos, en 1865 depues de la Guerra Civil, el costumbrismo siguió en pie. El pensamiento racista no habí a sido absuelto del todo y sobretodo en el sur, el afroamericano seguía teniendo un trato inferior.

Musicalmente hablando los negros no tenían permitido el batir de tambores, tuvieron que recurrir a la percusión mediante las palmas de las manos y el batir de los pies para disfrutar de sus fiestas y su música caracterí stica. Poco a poco fueron adoptando la instrumentaria propia del lugar como los instrumentos de cuerda para ir desechando las quijadas, los berinbaos y los intrumentos percutivos como las calabazas resecas rellenas de piedrecitas. Las primeras manifestaciones musicales afroamericanas eran una mezcla de ritmos e instrumentos asociadas a la esclavitud, por lo tanto interpretadas como canciones de trabajo y de diversión colectiva. Empezaba a darse la improvisación, una caracterí stica que contraponí a su música a la música compuesta por los blancos.

A pesar de que los intérpretes utilizaban instrumentos europeos, el gusto afroamericano por diversificar las melodías y remodelar los ritmos supuso la base de la que surgirí an después muchos de los más grandes intérpretes. Por ahí de 1920 aproximadamente supone el florecimiento de la música negra adoptando una nueva forma musical propia en América: el Jazz y el Blues.

Ahora bien, hablemos del inicio del rock. Como dice Eric Clapton: “El más importante músico de Blues que haya vivido\", Robert Johnson, también catalogado como \"el abuelo de Rock n´Roll\" por demas grandes figuras, es sin duda el inicio de este género transgresor de costumbres y de estilos. Su locución, la originalidad de tocar la guitarra y lo mas importante su carácter, hicieron de este individuo un parteaguas de la música por ahí de los años treinta. Realmente yo no le atribuirí a a este señor la responsabilidad de haber creado el Rock & Roll como género musical, pero si como actitud y forma de vida, entendamoslo simple y sencillamente como el que hizo despertar al rock.

Teniendo esto como base, adentremonos ahora al Chicago de los 50 donde fue fundada la discográfica Chess Records a manos de los hermanos Leonard y Phil Chess. Esta casa representa simbólicamente el principal cimiento del Rhythm & Blues y es teórica y prácticamente la casa de los verdaderos padres y reyes del Rock & Roll. Muddy Waters caracteristico por su inovador slide y por su estilo de blues pesado para la época; a la par con Chuck Berry que con solo oir canciones como: Roll over Beethoven, Maybelene, o Johnny B. Goode y por la manera de hacer vibrar a la juventud sin importar el color de piel. Músicos pertenecientes a esta casa. Todavia no hablo de Little Richard o Fats Domino pero yo creo que con estos dos individuos es suficiente para saber quienes son los verdaderos reyes del Rock n´Roll.

El Rhythm & Blues y el Rock & Roll eran en escencia lo mismo, lo que hacia que existiesen estos dos términos era el disociar la música blanca de la negra y abrir un camino para los músicos blancos y tener otra proyeccion mediática, tal como sucede con Elvis Presley o Bill Haley. Quienes, como decía en un principio se les atribuye como los reyes del rock erroneamente, simplemente porque el bailar la música de blancos era menos marginal. Era mediados de los cincuenta donde los primeros lugares de las listas Bilboard estaban en constante disputa. La música negra ya no solo era entretenimiento para aquellos Music Halls, sino era un paso mas de integración de la sociedad afroamericana y mostraba nuevamente el éxito de ésta en aquella guerra racial y de imprudencia costumbrista.

Pues para estos años el Rock n´roll ya era un patrimonio nacional. Debido a su gran popularidad comenzaba a darse aquel fenómeno que todos conocemos: el Mainstream, la corriente principal (cultura Pop). Los medios masivos como la radio y la televisión eran los encargados de este fenómeno y especialmente la televisión era aquello que seguía manteniendo la hegemonía y el predominio blanco. Gracias a esto Elvis Presley tuvo todas las de ganar para ser considerado el rey, pero gracias al revisionismo musical podemos entender a fondo la conveniencia de los de arriba para situar a un blanco como el ícono de algo que ha tenido tanta tracendencia como el Rock.

Sus movimientos de cadera pelvicos y su cara bonita hacian de Elvis un sex symbol, y esto con la ayuda de los medios como el show de Ed Sulivan lo convirtieron en el mas popular. Como podí a ser posible ser í dolo de un negro en aquellos años, pues Elvis fue la solucion para todos los que querí an ser parte de un movimiento de rebeldí a, repito, sin ser considerados marginados.

Pero eso no es todo, existe otro señor quien antecede a todo esto conocido como Fats Domino (afroamericano) a quien se le atribuyen grabaciones de Rock & Roll tal como The Fat Man, compuesta e interpretada por él y grabada en 1949, un éxito. La primera grabacion de Elvis Presley fue That´s all right (Mama) en 1954 y no fue compuesta por él sino por Arthur Crudup. Y que me dicen de Little Richard (negro y homosexual, todavia mas trabas) quien tras ganar un concurso comienza a hacer grabaciones para RCA Records desde 1951. Personaje que compuso la controvertida Tutti-Frutti la cual su productor cambió la letra por considerarla un exceso: de “Tutti Frutti, good, booty / If it don’t fit, don’t force it / You can grease it, make it easy” (“Tutti Frutti, buen culito / Si no entra, no lo fuerces / puedes engrasarlo, para facilitarlo“) a “Tutti frutti, all rooty, a-wop-bop-a-loon-bop-a-boom-bam-boom“.

Posteriormente Elvis Presley fue aún mas afamado tras sus films en Hollybood, cosa que lo situaron aún mas alto. Pero, quienes son realmente los reyes del Rock & Roll. Es cuestion de ir hacia atras y contemplar la historia y observar el contexto sociológico donde se desarolla esta facinante crónica. Conflictos raciales, poder mediático, intereses de la sociedad acomodada Americana; la verdad siempre saldrá a relusir y si existe un rey del Rock & Roll este debería tener la piel obscura.